RAÍCES AFUERA. CICLO DE PERFORMANCE
17 feb. 2025
art madrid
PROGRAMA PARALELO ART MADRID’25. TERRITORIO CIUDAD
CICLO DE PERFORMANCE: RAÍCES AFUERA
Art Madrid, comprometida con crear un espacio de enunciación para artistas que trabajan en torno a las artes performativas, presenta Raíces Afuera, un ciclo de performance que toma como punto de partida el libro de Simone Weil, "Echar raíces" (Editorial Trotta, 2014), para explorar la noción de pertenencia y la necesidad de arraigo en un mundo contemporáneo caracterizado por la fragmentación, el desplazamiento y la desconexión. El proyecto se sitúa en el contexto de la feria como un espacio crítico y reflexivo que desafía la relación del individuo con su entorno, su comunidad y su sentido de identidad.
Bajo este marco, se plantean algunas interrogantes que invitan a la reflexión: ¿Qué significa echar raíces? ¿Es el desarraigo una experiencia ligada exclusivamente a un lugar físico? ¿Es posible desarraigarse de uno mismo?
Simone Weil define el arraigo como una necesidad vital del alma humana, tan importante como la alimentación o el abrigo. Un instinto intrínseco e individual por reconocer y restaurar los lazos que nos conectan con las otras personas y nuestras raíces, ya sean culturales, familiares, espirituales o territoriales. A partir de esta premisa, Raíces Afuera propone un espacio donde la performance actúa como un medio para reconectar, visibilizar y enfrentar los procesos de desarraigo, reconociendo cómo impacta la vida de millones de personas en la actualidad.
En Echar raíces, Simone Weil define el arraigo como una necesidad fundamental del alma humana, una condición vital que permite al individuo sentirse parte de una comunidad, un entorno y una historia. La falta de arraigo, según la autora, es una de las mayores tragedias de la modernidad, ya que despoja al ser humano de su sentido de pertenencia y lo condena a la alienación y la precariedad emocional. Desde esta perspectiva, el Ciclo de Performance Raíces Afuera, presentado por Art Madrid, se erige como un espacio crítico y de resistencia frente a la descomposición de los vínculos que estructuran la identidad individual y colectiva.
En un mundo marcado por el desplazamiento, la migración forzada y la desconexión, el desarraigo no sólo es una experiencia geográfica, sino también simbólica y emocional. Simone Weil argumenta que el desarraigo es la causa de innumerables formas de sufrimiento contemporáneo: desde la crisis de la comunidad hasta la deshumanización en las relaciones laborales, desde la indiferencia política hasta la alienación en la vida cotidiana. Josefina Bardi (Santiago-Chile, 1996), Eléonore Ozanne (Corbeil-Essonnes, Francia. 1990), Valentina Alvarado Matos (Maracaibo, Venezuela, 1986), Ra Asensi (Bilbao, 1989) y Agustina Palazzo (Córdoba, Argentina, 1992) son las artistas invitadas a Raíces Afuera. A través de cinco performances, se propone una investigación sobre la posibilidad de un re-enraizamiento simbólico y afectivo. Las obras exploran preguntas fundamentales: ¿Es posible reconstruir el arraigo en un mundo que promueve la movilidad constante y la desvinculación? ¿Puede el cuerpo ser un refugio, un espacio de resistencia contra el olvido y la dislocación? ¿En qué medida el acto performativo puede restituir los lazos comunitarios y generar nuevas formas de pertenencia?
La performance, al ser un arte efímero y encarnado, genera una reflexión sobre el arraigo que trasciende lo conceptual y se manifiesta en la experiencia compartida entre artista y espectador. La acción performativa deviene un gesto de restitución, una invitación a rehacer vínculos mediante la atención mutua y la experiencia sensorial. Como sugiere Weil, la verdadera raíz no se encuentra en la imposición de una identidad estática ni en la nostalgia de un pasado idealizado, sino en la apertura a la reciprocidad, el cuidado y el reconocimiento del otro.
Desde esta perspectiva, Raíces Afuera cuestiona las condiciones contemporáneas de existencia, atravesadas por la precariedad económica, la gentrificación y la tecnologización de las relaciones humanas, procesos que erosionan el sentido de pertenencia. En este contexto, la performance emerge como un acto de resistencia poética y política, recordando que, en palabras de Weil, la ausencia de raíces es una de las mayores dolencias de nuestro tiempo y que toda posibilidad de re-enraizamiento representa un acto de restauración de la dignidad humana.
Así, Raíces Afuera se configura como un espacio de interrogación sobre la condición humana en la actualidad. El cuerpo se sitúa en la tensión entre la pérdida y la reconstrucción, la memoria colectiva se reactiva y el espacio público se resignifica. Las performances que conforman este ciclo nos llevan a reflexionar sobre la necesidad urgente de echar raíces, no como un retorno al pasado, sino como una estrategia para resistir y rehumanizarse en un mundo que empuja constantemente hacia la desconexión.
SOBRE LAS ARTISTAS
Josefina Bardi Prida (Santiago, Chile, 1996) es artista visual y docente, actualmente radicada en Madrid, España. Titulada en Artes Visuales por la Universidad Diego Portales, ha complementado su formación con un Máster en Educación Plástica, Artística y Visual en la Universidad Nebrija y el Instituto Cervantes. Su trayectoria docente abarca instituciones en Chile y España, desempeñándose como profesora de artes y colaboradora en talleres de destacados artistas. En el ámbito laboral, ha sido jefa de taller de cerámica en Brio Atelier, asistente de producción y obra para artistas como Cristóbal Ochoa, Camila Ramírez y Sebastián Mahaluf, además de trabajar en diseño gráfico.
Su obra ha sido reconocida con diversos premios, entre ellos el Primer Lugar en el Premio Municipal de Arte Joven de Santiago (2024) y la residencia PAAL en Zapadores Ciudad del Arte (2023). Ha realizado exposiciones individuales en Santiago y Madrid, además de participar en múltiples muestras colectivas en América y Europa, incluyendo la Bienal en el Museo de la Memoria y el MAC Quinta Normal.
Josefina Bardi presenta en Art Madrid’25 su performance: ENSAYOS DE DESPLAZAMIENTOS
El proyecto se enmarca en la investigación de la artista en torno a la relación con su hermana gemela, una temática que ha estado explorando desde 2018. En este tiempo, se han desarrollado una serie de acciones en vivo y experiencias visuales vinculadas a conceptos escultóricos como el peso, la gravedad, la forma y el espacio, todos en tensión con la noción de duplicidad. A través de esta investigación se estudia cómo dos cuerpos gemelos se vinculan e interactúan entre sí y también en relación a los espacios/territorios que habitan. Inserta en este contexto, “echar raíces” se aborda por medio del desplazamiento de los cuerpos, el tema del vínculo y su relación con la distancia y con el territorio.
Se explora la idea de duplicidad haciendo una invitación a cuestionar los vínculos personales a partir del posicionamiento de cuerpos gemelos en situaciones de tensión con espacios arquitectónicos sugerentes. Se hace referencia al concepto de espacio asociado a la distancia que separa a los cuerpos gemelos de la artista y su hermana desde 2022, distancia que condiciona y desafía las nociones de territorio físico, tiempo, comunicación, emotividad, y afectos.
Eléonore Ozanne (Corbeil-Essonnes, Francia, 1990) es artista e investigadora entre Francia y España. Doctoranda en Bellas Artes por la UPV/EHU y la Université de Pau et des Pays de l’Adour. Su trabajo se centra en la relación entre cuerpo y fronteras en los espacios cotidianos. Mediante el desplazamiento, la artista multidisciplinar dibuja el concepto de frontera como límites físicos o muros invisibles que se atraviesan a diario. Emplea su cuerpo como eje central de su trabajo y explora mediante acciones, el desplazamiento a través, al otro lado o adentro de espacios o de tiempos predeterminados.
Ha sido ganadora de múltiples residencias en España, México y Europa, incluyendo NauEstruch y el CECDA en Veracruz. Ha colaborado con artistas como Pilar Albarracín y es miembro de los equipos de investigación Gizartea y Alter, donde participa de manera activa en explorar formas de entender la precariedad y los desplazamientos en la era de lo global. Su obra ha sido exhibida en festivales y espacios internacionales como Matadero Madrid y, Cidade da Cultura de Galicia.. Además, ha publicado textos sobre arte y precariedad en editoriales como Dykinson y la Universidad del País Vasco.
Eléonore Ozanne presenta en Art Madrid’25 su performance: LAS FRONTERAS SIEMPRE TIENEN DOS LADOS
Las fronteras siempre tienen dos lados es una obra que nos invita a reflexionar sobre las fronteras invisibles que forman parte de nuestra vida diaria. A través de las palabras "perdón" y "gracias", la autora plantea un diálogo sobre cómo, en nuestra interacción cotidiana, nos vemos constantemente enfrentados a límites y distancias, tanto físicas como emocionales. Cada vez que usamos estas palabras, estamos reconociendo una separación, ya sea al ceder el paso a alguien o al pedir ayuda en momentos de incomodidad. La obra pone en evidencia cómo esas pequeñas frases, que solemos repetir sin pensarlo, son una forma de negociar nuestras relaciones con el mundo y las personas que nos rodean.
En este contexto, las fronteras que se exploran en la obra no son solo las geográficas, sino también las sociales y personales. Las barreras que nos separan de los demás pueden ser sutiles, pero nos afectan de manera significativa en nuestra vida diaria. A través de estos gestos, estamos constantemente construyendo, derribando o aceptando límites que definen nuestra relación con el otro. Las fronteras siempre tienen dos lados nos desafía a cuestionar cómo percibimos estas fronteras y cómo las palabras, que parecen simples, reflejan las dinámicas complejas de nuestra existencia.
Valentina Alvarado Matos (Maracaibo, Venezuela, 1986) es una artista que explora la imagen en movimiento con una mirada crítica hacia la diáspora, el paisaje y el gesto. Su obra ha sido exhibida en importantes espacios como Artium, LIAF Bienal, IFF Rotterdam, Punto de Vista, Ambulante, Loop, Cinemateca Madrid, entre otros. Ha sido residente en Hangar, La Escocesa, Cultura. Resident, LIFT Toronto y Matadero.
En 2024, presenta su trabajo en Barcelona con Carlos Vásquez Méndez en el otro aquí en La Capella y totalmente rostro en La Virreina Centro de la Imagen. Además de su práctica artística, ha impartido clases en instituciones como Massana, Eina, Universitat de Barcelona, La Universidad del Zulia, LAV, CC Albareda, EICTV en Cuba, entre otros. Sus films forman parte del catálogo de distribuidoras como Light Cone, XCèntric y Hamaca, y su obra ha sido incluida en el libro Remains–Tomorrow Themes in Contemporary Latin American Abstraction de Cecilia Fajardo-Hill.
La práctica artística de Valentina Alvarado Matos se centra en la materialidad y fragmentación de la imagen, empleando diversos medios con un énfasis en las cualidades táctiles de la película. Le interesa cómo los materiales dejan huellas del tiempo y la memoria. El cine y la cerámica, disciplinas en las que trabaja, requieren procesos manuales que implican tiempo y paciencia, como manipular bobinas, amasar arcilla o cortar y empalmar tiras de película. Estos métodos deliberados contrastan con la producción rápida, y tanto la artesanía como el cine se vinculan estrechamente con gestos y procesos táctiles en sus enfoques conceptuales y formales. El collage ocupa un lugar central en su obra, permitiéndole superponer fragmentos de imágenes y materiales para explorar y deconstruir significados simbólicos, especialmente en torno a la identidad diaspórica, el paisaje y la pertenencia. La superposición no solo es una técnica en su estudio, sino también un método narrativo que establece diálogos entre el paisaje y el cuerpo, lo personal y lo político, lo macro y lo micro.
Valentina Alvarado Matos presenta en Art Madrid’25 su performance: voy raspando la hoja y la voz
voy raspando la hoja y la voz es una pieza que fusiona imagen, texto y sonido para crear un recorrido sensorial y conceptual sobre la memoria del paisaje. En ella, la voz se convierte en un relato fragmentado, un hilo que teje recuerdos personales mientras reflexiona sobre cómo los paisajes se desplazan, se transforman y se reconfiguran a través del tiempo y del espacio. El viaje, lejos de ser lineal, se presenta como un paseo que transita entre lo tangible y lo simbólico, desdibujando los límites entre el lugar físico y el lenguaje que lo describe. La obra también se ocupa de cómo ciertos territorios son representados, descritos o distorsionados desde otros puntos de vista, cuestionando las narrativas dominantes. El lugar que se explora no solo es un territorio, jardín, parque o bosque, sino también una construcción lingüística, un espacio que se reimagina a través del lenguaje, invitando a reconsiderar las fronteras entre lo físico y lo simbólico, entre lo real y lo narrado.
Ra Asensi (Bilbao, 1989) genera artefactos como maneras de (ex)tender los límites materiales del cuerpo. Esta producción está influenciada por la cerámica y sus procesos, el arte de acción, la fotografía y la escultura. Entre sus exposiciones individuales destacan Objeto (In)quieto en Fundación Bilbaoarte Fundazioa, Inadaptada Resistencia en el Centro Cultural Montehermoso y La lava que llevas contigo en TACA (Palma de Mallorca).
El trabajo de Ra Asensi se centra en la creación de artefactos como una forma de expandir los límites materiales del cuerpo e iniciar procesos colaborativos. Su producción está influenciada por la cerámica y sus procesos, el arte de acción, la fotografía y la escultura. A través de su práctica, investiga las relaciones presentes y posibles entre cuerpo(s), tecnología(s) y naturaleza(s), explorando cómo estos elementos interactúan y se transforman en distintos contextos.
Sus obras, intervenciones y acciones suceden en diversos entornos: Galería Fran Reus, 2024 (Palma de Mallorca); Art House Foundation Studio D, 2024 (Londres), 019-Ghent, 2024 (Gante); Tabakalera, 2024 (Donosti); Colonia Industrial Cal Rosal, 2024 (Berga, Catalunya); Festival Mercurio/Instituto Cervantes, 2023 (Palermo); ECOS, 2023 (Sala Rekalde, Bilbao); BAP, 2022 (Museo Guggenheim Bilbao).
Ra Asensi presenta en Art Madrid’25 su performance: ESE ENTORNO ENDURECE MI PIEL
Ese entorno endurece mi piel es una performance que sucede a partir de unas piezas escultóricas en acero corten oxidado con agua marina. Estas extensiones corporales son a su vez segundas pieles. Se activan a través del tacto generando sonidos. Conforman una especie de cartografía poética. Han sido producidas a partir de las huellas de diversos cuerpos acuosos. Se convierten en este proceso en mapas de aguas.
“La vida comenzó en el mar, y nuestros cuerpos se han comprometido en diversos relatos sobre esta historia de origen desde entonces. No me interesan las narrativas que ponen «la familia» en su lugar, pero las de parentesco en todas sus maravillosas formas queer es todavía algo que busco. Esa es la dificultad: abrazar los relatos queer como un territorio de conexión y responsabilidad sin reinstalar los antiguos mitos de continentes oscuros, mujer como matriz, y otros juegos de poder de las ligazones familiares.” Astrida Neimanis
Agustina Palazzo (Córdoba, Argentina, 1992) es una artista multidisciplinar radicada en Barcelona. Su práctica abarca el arte, la educación y la gestión cultural en el contexto del mundo digital y las nuevas tecnologías. Su trabajo oscila entre lo crítico y lo poético, utilizando temas y tecnologías emergentes como herramientas creativas en performance, diseño sonoro e instalación. Su investigación artística se nutre de la relación entre comunicación, comportamiento humano y nuevas tecnologías, generando experiencias que cuestionan los límites del comportamiento humano y el medio digital. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas, festivales y residencias en América Latina y Europa. Entre algunos destacados se encuentran IMMERSIVA en Espronceda, Instituto de Arte y Cultura (ES), Tsonami arte sonoro (CHILE), Rake Community, plataforma de arte e investigación (Reino Unido), SONAR + D (ES), LLUM (ES), Teorema (ES), 220 Contemporary Culture (AR), y Millesuoni (IT), Espai 19 (ES), entre otros.
En caída libre, habito la incertidumbre digital. Agustina Palazzo
El trabajo de Agustina Palazzo se centra en el comportamiento humano, sus deseos y malentendidos, explorando las contradicciones de la multitud contemporánea atrapada entre el refinamiento tecnológico y la erosión moral en lapsos de atención fragmentados. Oscila entre lo crítico y lo poético, inspirado por la ciencia ficción, la utopía y la distopía, pero con una sensibilidad emotiva anclada en el presente. Su práctica transita entre la performance, la instalación, el video, el sonido y el archivo, utilizando la tecnología no solo como herramienta, sino como símbolo de una condición social y política. Aprovechando su dimensión poética, mezcla técnicas digitales y analógicas con objetos de uso cotidiano, tensionando sus significados. El sonido y la radio son elementos recurrentes en su búsqueda, pero su lenguaje es expansivo, atravesando lo visual, lo performático y lo sonoro. La experimentación, el proceso y la reflexión crítica son el eje de su práctica, invitando al espectador a cuestionar su relación con lo digital y lo real.
Agustina Palazzo presenta en Art Madrid’25 su performance: EL PESO DE LA CIUDAD LO LLEVO CONMIGO
El peso de la ciudad lo llevo conmigo busca visibilizar la opresión contemporánea, cómo la industrialización, la urbanización, la digitalización, condicionan la construcción de una identidad, despojado a las personas de un vínculo vital, dejando un vacío existencial en un cuerpo que habita la saturación del paisaje urbano. Las antenas, estos objetos inertes que sobrevuelan el paisaje urbano, representan una metáfora poderosa de una era saturada por la mediación tecnológica. Su presencia abundante apunta a la paradoja de una conectividad que, mientras promete unirnos, fragmenta nuestra atención y experiencia colectiva. Como monumentos inadvertidos, nos invitan a reflexionar sobre cómo la tecnología redefine las ciudades y nuestra relación con ellas.
El paisaje urbano actual representa un entorno saturado de símbolos de la modernidad y el “progreso” tecnológico. Las antenas de televisión y radio, que sobrevuelan en las terrazas, encarnan mucho más que su funcionalidad técnica. Emergen como marcadores del cambio que conectaron generaciones a un mundo global, transformando la vida urbana en un tejido de comunicación y entretenimiento. Esta modificación del paisaje urbano, tiene implicaciones directas sobre el cuerpo contemporáneo, un cuerpo que se define y modifica por medio de la tecnología y su relación con el entorno. Como dice Laura Barros Condés en Habitar(se) “La tecnología ha pasado a formar parte intrínseca de los individuos y en gran medida a través del cuerpo”.
El espacio es en sí mismo un organismo que interviene en el cuerpo. Experimentamos un entorno a través del cuerpo e inevitablemente esta relación incide en nuestra forma de relacionarnos física y psicológicamente, y en el proceso de construcción de una identidad. El cuerpo se define y modifica por medio de su relación con el entorno.
PERFORMANCES:
5 de marzo | 19:00h. Josefina Bardi. Ensayos de desplazamientos
6 de marzo | 19:00h. Eléonore Ozanne. Perdón - Gracias
7 de marzo | 19:00h. Valentina Alvarado Matos. voy raspando la hoja y la voz
8 de marzo | 19:00h. Ra Asensi. Ese entorno endurece mi piel
9 de marzo | 17:00h. Agustina Palazzo. El peso de la ciudad lo llevo conmigo
Art Madrid celebra veinte años de arte contemporáneo del 5 al 9 de marzo de 2025 en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles. Durante la Semana del Arte, se convierte en una plataforma expositiva para galerías y artistas nacionales e internacionales. En esta edición, con el propósito de ofrecer un espacio de enunciación para los artistas que trabajan en torno a las artes performativas, la feria presenta Raíces Afuera, un ciclo de performance que explora las nociones de pertenencia y la necesidad de arraigo en un mundo contemporáneo caracterizado por la fragmentación, el desplazamiento y la desconexión. Situado en el contexto de la feria como un espacio crítico y reflexivo, el proyecto desafía la relación del individuo con su entorno, su comunidad y su sentido de identidad.
Con la colaboración
