Sra. D, a.k.a Lara Padilla

La obra de Sra. D, a.k.a Lara Padilla, abarca disciplinas como la pintura, la escultura, la danza, la performance y el diseño de moda.

Sus piezas, mayormente figurativas, dirigen la atención al poder de la representación femenina a través de la deformación del cuerpo y el uso del color y las texturas. Una reivindicación de género exhibida a través de grandes manos como instrumentos poderosos de batalla o pies pesados, imagen de la perseverancia de la mujer en su lucha. Sra D. entiende el arte, no como una vitrina silenciosa, sino como un camino de acción e intervención política. Su estética es una oda a la diversidad, retratando todo tipo de cuerpos en pos de promover una mirada de igualdad y autenticidad.

Sus performances dialogan cara a cara con su creación pictórica y escultórica a través de la semejanza entre composiciones y trayectorias. El uso del body painting subraya el aspecto plástico de sus coreografías, mientras que en sus acciones urbanas insiste en esta reflexión sobre la construcción de la identidad concebida como creencia.

Sin embargo, el cuerpo femenino no es una cárcel para Sra. D. En sus últimas creaciones ha expandido su discurso plástico explorando el arte africano y precolombino, capítulos culturales de gran calado social y conceptual como el Génesis o la interacción de los cuerpos con nuevos soportes y texturas.

Lara Padilla

Black Tetris Magnum, 2021

Técnica mixta sobre tela

400 x 300cm

Entrevista:

¿Qué te inspira a la hora de crear?

Puede ser una emoción, una imagen o una palabra, la inspiración puede venir de cualquier lugar. Me inspira mucho viajar, hacer fotografías, conocer culturas nuevas. Creo que mi pintura es muy experiencial y es casi como un diario.

¿En qué estás trabajando recientemente?

Sigo trabajando en la serie “Tetris”, que creo todavía tiene un universo por explorar. Y en paralelo, estoy trabajando con diversos personajes en diferentes contextos y con escenas cotidianas contando otro tipo de historias. También sigo trabajando con el movimiento y la danza.

Háblanos sobre tu proceso creativo

Sobre mi proceso creativo, lo primero que abordo es el fondo de la obra. Creo una atmosfera de color muy libre y trabajo con pigmentos, collage y diferentes técnicas para crear una fractura en la obra. A partir de ahí creo la composición que tengo en boceto o en fotografía. El caso de los “tetrix” es mucho más experimental, creo un personaje y realmente lo que hago es jugar al tetrix. A partir de ahí voy encajando todos los demás y conquistando todo el espacio.

¿Participas por primera vez en la feria? ¿Qué esperas de Art Madrid?

Sobre mi participación, lo que espero es poder mostrar mi trabajo, que es lo que más me apasiona con mucha ilusión. Conocer otros artistas, nutrirme de toda esa creatividad y disfrutar de la feria.

Lara Padilla

Purple Tetris, 2021

Técnica mixta sobre tela

170 x 170cm

Actualmente tu expresión artística no se limita a una disciplina ni a un soporte, ¿como se proyecta Sra D (no Lara Padilla) en los próximos 5 años?

Señora D se proyecta en los próximos 5 años como una artista más experimentada y madura. Lo que pongo en valor realmente es el trabajo de cada día, creo que esto es una carrera de vida. Es lo que hago, trabajar todos los días en el estudio. Yo creo que desde aquí siempre voy a encontrarme y no voy a ser yo quien me ponga límites.

Tu obra es principalmente figurativa y representativa, ¿que encuentras en la figuración que no te de la abstracción?

Mi obra es mayormente figurativa, aunque también tengo algunas piezas abstractas. Pero me fascina el cuerpo humano, me encanta explorar sus límites. Creo personajes con cuerpos imposibles y desproporcionados, muy expresivos, proponiendo otros modelos de ser hombre y mujer; y poniendo en valor la diversidad, la libertad. Trabajo también con el cuerpo como soporte en ocasiones, sobre todo en las acciones de performance en la calle, con performance y dance, y hago uso del body painting para contar estas historias.

Lara Padilla

Rainbow tangle, 2021

Técnica mixta sobre lienzo

170 x 170cm

Sra.D, A.K.A Lara Padilla, participa en Art Madrid con la galería de Barcelona 3 Punts Galeria, junto a los artistas Alejandro Monge, Gerard Mas, Kiko Miyares, Luis Feo, Rodrigo Romero, Santiago Picatoste y Ramón Surinyac.

Aurelio San Pedro

CONVERSACIONES CON MARISOL SALANOVA. PROGRAMA DE ENTREVISTAS. ART MADRID’25

Aurelio San Pedro (Barcelona, 1983) dibuja con gran delicadeza, centrando su atención en escenarios naturales y decantándose por el blanco y negro. La memoria es muy importante en su proceso creativo, que se basa en el tratamiento del recuerdo como vía de expresión plástica. Su formación en ingeniería y topografía impregna parte de la búsqueda de imágenes que le inspiran para escoger los paisajes ideales, que genera a partir de lugares reales y también fabulados.

El proceso de cada una de sus piezas es lento, suponiendo un concienzudo ejercicio de introspección para el artista. El papel es casi un fetiche para él, teniendo tanta importancia las partes que decide intervenir como las que deja en blanco. Fluctúa entre abstracción y figuración sin dejar de mantener un estilo propio, identificable y de un profundo calado.

Return to Oneself. De la serie Books and Landscapes. 2024. Técnica mixta. 100 x 100 cm.

¿Qué rol juega la experimentación en tu proceso creativo?

En mi proceso creativo la experimentación juega un rol muy importante a nivel conceptual y estético. La obra avanza en paralelo y a medida que van sucediendo acontecimientos, se va definiendo lo que será la obra final. En cuanto a nivel de producción, sí que depende mucho de la serie en la que me encuentre trabajando en ese momento. Por ejemplo en la serie Books, que es una serie realizada con fragmentos de libros, la tridimensionalidad es fundamental. Mientras trabajaba en ella, me iba encontrando con lo que es la prueba y el error; el residuo, la simplificación y la agilización de los procesos.

En cuanto a los dibujos, la experimentación física es mucho menor. Pero también hay encuentros, búsqueda de herramientas, ensayo y cambios dentro del proceso de trabajo . Por ejemplo, en Landscapes uso un lápiz con tres extensores que hace unos cincuenta, sesenta centímetros. En las dos últimas series, Iceland y Nature, he tenido que aprender a desplazarme y a ubicarme en la naturaleza y además también he tenido que depurar bastante la técnica a nivel de dibujo.

Siempre se topaba con la misma piedra. Detalle. de la serie Books and Landscapes. 2024. Técnica mixta. 10 x 19 cm.

¿Cuáles son tus referentes?

No podría señalar referentes estéticos concretos, pero sí mencionar aquellos que han dejado una huella en mi trayectoria. En primer lugar, a mi padre, por su vínculo con el arte y la arquitectura. También Antoni Marqués, un reconocido artista catalán con quien tuve la fortuna de aprender durante un año en su estudio.

A nivel histórico, la obra de Magritte y Joseph Kosuth ha sido una gran influencia para mí. En cuanto a lo formal, encuentro cierta conexión con el arte povera y me identifico con el minimalismo.

Twenty Dark Episodes. 2024. de la serie Books and Landscapes. Mixed media. 100 x 100 cm.

¿Cómo aplicas el recuerdo, la memoria, a tus dibujos?

Gran parte de mi obra, si no toda, se basa en este recurso. Comencé con la serie Diane, una serie de dibujos a lápiz que reproducían fotografías antiguas de Diane Arbus. En ellos, eliminaba a los personajes principales y sólo conservaba los fondos. Estos dibujos se complementaban con dípticos donde se incluía la descripción del personaje ausente, el lugar donde se tomó la fotografía y el año en la que se realizó. De este modo, se generaba un diálogo entre presencia y ausencia, explorando la memoria y el recuerdo.

Más adelante trabajé en Landscapes, una serie mucho más etérea en la que, a través del recuerdo personal, buscaba representar una imagen idealizada e indefinida. Actualmente, desarrollo Nature e Iceland, proyectos que reflexionan sobre la memoria natural en relación con la propia forma del paisaje.

Me interesa plantear preguntas como: ¿Cómo ha llegado una piedra hasta allí? ¿Cómo se ha formado este río meandriforme? Un simple paisaje encierra innumerables huellas y procesos. Para mí, esa es la esencia de la memoria en mi trabajo.

ST.3. De la serie Iceland. 2024. Lápiz sobre papel. 120 x 100 cm.

¿Cuánto tiempo te lleva trabajar en tus obras?

El tiempo que dedico a cada obra depende principalmente de su complejidad y de las características específicas de la pieza. En general, suelo invertir entre dos y cuatro semanas en cada trabajo, con una media aproximada de tres semanas. Esto varía, ya que algunas obras requieren más tiempo de reflexión, ajustes o detalles, mientras que otras pueden surgir de manera más fluida. La variedad en el proceso creativo es lo que marca la diferencia, ya que cada pieza tiene sus propias exigencias y ritmos, lo que hace que cada experiencia de creación sea única.

Return to Oneself. De la serie Books and Landscapes. 2024. Técnica mixta. 100 x 100 cm.

¿Por qué eliges transmitir mediante el blanco y negro?

El blanco y negro me atrae profundamente por su atemporalidad. Este enfoque visual no solo evita distracciones, sino que también elimina ciertos detalles que podrían restar misterio a la obra, permitiendo que el espectador se enfoque en lo esencial. La ausencia de color y la luz difusa que utilizo en mis obras contribuyen a una sensación de distorsión y vaguedad, lo que, para mí, amplifica el carácter enigmático de la imagen.

Al omitir el volumen y el color, se crea una atmósfera que invita a la interpretación, dejando espacio para que el espectador proyecte su propia narrativa sobre lo que ve. Esta cualidad de incertidumbre y sugestión es lo que considero tan potente en el uso del blanco y negro.

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