CICLO DE INTERVENCIONES: 20 GRADOS
12 feb. 2025
art madrid
PROGRAMA PARALELO ART MADRID’25. TERRITORIO CIUDAD
CICLO DE INTERVENCIONES: 20 GRADOS
Como parte del Programa Paralelo, el Espacio Tectónica será el contenedor del Ciclo de intervenciones: 20 Grados, las investigaciones de los artistas y gestores que presentamos en esta sección se centran en el diálogo entre el arte y los espacios urbanos, usando diferentes prácticas artísticas para cuestionar la estructura social de las ciudades que habitamos y la manera en la que nos interrelacionamos con sus arquitecturas y territorios.
A través de estas acciones, se establecerán puentes entre disciplinas y miradas diversas, ampliando la comprensión de cómo el arte se retroalimenta del tejido urbano y cómo el espacio público es entorno natural de la creación artística. El Ciclo de intervenciones 20 GRADOS presenta el trabajo de 10 artistas fundamentales del sector del arte contemporáneo en un espacio abierto, distendido y activo.
Artistas invitados: Susi Vetter, Helena Goñi, Paula Lafuente, Olga Mesa, Elena Arroyo, Amaya Hernández, Deneb Martos, Guillermo G. Peydró & Jeanne de Petriconi, Sergio Muro y Javier Olivera.
Susi Vetter. Momentum
Fecha: miércoles 5 de marzo 16:00h
Lugar: Espacio Tectónica. Stand D3
La intervención Momentum de la artista alemana Susi Vetter explora el concepto del Antropoceno a través de una pieza de realidad aumentada desarrollada específicamente para el entorno de la entrada de la feria. En esta obra, plantas imaginarias, flores y un rostro humanoide emergen del suelo, integrándose armónicamente con la naturaleza circundante, creando una atmósfera onírica que se transforma en inquietante cuando el ser comienza a derramar lágrimas al mirarnos. Este cambio genera incomodidad y nos invita a cuestionar la relación entre la humanidad y la naturaleza.
La artista compartirá cómo fue el proceso detrás de la creación de esta pieza, explicando cómo utilizó la realidad aumentada para fusionar lo virtual con lo físico, y cómo esta tecnología le permite generar una experiencia inmersiva e interactiva. Además, durante el encuentro, Susi Vetter mostrará otras piezas de su obra, reflexionando sobre la evolución de su trabajo a lo largo del tiempo, con especial énfasis en el impacto de Momentum para Art Madrid’25. También abordará su proceso creativo, compartiendo sus procesos de trabajo, y hablará sobre la relevancia del arte en tiempos difíciles, considerando el importante papel que juega el arte en períodos complejos, sin entrar en política, un tema sobre el que ha estado reflexionando últimamente.
Sobre Susi Vetter
Susi Vetter es ilustradora y artista multimedia radicada en Berlín. Su trabajo se enfoca en crear historias inmersivas que desdibujan las fronteras entre las realidades físicas y digitales. Utiliza herramientas como la web, la realidad aumentada y la proyección de mapas para generar experiencias interactivas que invitan a la reflexión y transforman la percepción del espectador.
Helena Goñi. Book Jockey
Fecha: miércoles 5 de marzo 17:00h
Lugar: Espacio Tectónica. Stand D3
La presentación se enmarca dentro de un formato nuevo y experimental conocido como Book Jockey, una experiencia única diseñada para mostrar y disfrutar de los fotolibros de una manera innovadora. Al igual que una sesión de DJ, en la cual se mezclan y se combinan canciones para crear una atmósfera única, una sesión de Book Jockey consiste en enseñar y mezclar libros de fotografía para construir una narrativa visual envolvente. En este caso, la autora ha seleccionado cuidadosamente algunas de sus publicaciones más destacadas. A lo largo de esta experiencia, el público será invitado a sentir y disfrutar de los libros, en un formato único y dinámico que invita a la interacción y al disfrute del arte fotográfico de una manera fresca y experiencial.
Sobre Helena Goñi
Helena Goñi (n. 1990) es una artista y entusiasta de los libros de fotografía del País Vasco (España), afincada en Brooklyn desde 2021. Trabaja con procesos fotográficos analógicos, a veces incorporando vídeo y escritura. Sus imágenes se sitúan entre un enfoque performativo de la fotografía y una instantánea espontánea, retratando personas y lugares que la artista encuentra en su vida diaria.
Paula Lafuente. Nana al Ángel Caído
Fecha: jueves 6 de marzo 13:00h
Lugar: Espacio Tectónica. Stand D3
Nana al Ángel Caído es un trabajo en proceso, a través de distintos elementos escultóricos, textiles, performativos, videográficos y sonoros a partir del que se revisa el mito del ángel caído desde la simbología del círculo y la resiliencia.
Sobre Paula Lafuente
Paula Lafuente (Madrid, 1983) es artista, psicoterapeuta e investigadora independiente. Ha realizado exposiciones e intervenciones en espacios nacionales como La Casa Encendida, Art Madrid y Festival PROYECTOR, así como en ciudades internacionales como México DF, Oaxaca, Birmingham y Coimbra. Además, ha publicado y presentado piezas en congresos y revistas académicas de la Universidad Complutense de Madrid y otras instituciones. Es Doctora cum laude en Investigación en Humanidades, Arte y Educación por la Universidad de Castilla-La Mancha, con una tesis sobre el deseo en el arte corporal. Lafuente también es experta en diversas disciplinas de psicoterapia, y actualmente desarrolla su trabajo como psicoterapeuta y creadora de contenido en Beta Vitae.
Olga Mesa. Cuaderno de notas fílmicas: Prácticas (no) visibles del cuerpOperador
Fecha: jueves 6 de marzo 16:00h
Lugar: Espacio Tectónica. Stand D3
En Cuaderno de notas fílmicas: Prácticas (no) visibles del cuerpOperador, lal artista se inventa una práctica para aprender a respirar mientras escribe: piensa y habla al mismo tiempo. Insiste en este acto espontáneo y sonoro de escribir en voz alta lo que está pensando. Más tarde, es posible que active el « REC » y se desplace con una cámara en mano buscando un nuevo plano secuencia. Pensará en grande para hacer cosas pequeñas. Sentirá la distancia entre su mano y su corazón (ese oscuro objeto del deseo).
El cuerpo operador será siempre un cuerpo necesario, al igual que la voz. El viaje del eterno retorno y el regreso al origen estarán presentes. El sueño, la guerra y la infancia formarán parte de su obra, así como su danza de manos. Se verá nuevamente observando una guerra en miniatura, pero esta vez no estará tumbada en una esquina. Al final, esta "Mesa Propia" en construcción creará una constelación de sueños y presencias que transportarán a los espectadores hacia un horizonte de resistencia(s) a escala humana e íntima. El artista desea escribir este encuentro en « cuerpo presente ». Así comenzarán: sin imagen, con un « black-out » y en silencio.
Sobre Olga Mesa
Olga Mesa es una destacada coreógrafa y artista visual clave en la danza contemporánea española, cuya obra fusiona la danza, la performance, las artes visuales, el cine y la instalación. A lo largo de su carrera, ha explorado la relación entre el cuerpo, la cámara y la construcción de la mirada, utilizando su cuerpo como herramienta de visión y narración. Ha creado piezas notables como Lugares Intermedios y El lamento de Blancanieves, y ha sido reconocida por su labor innovadora en la danza y el audiovisual. Además, ha dirigido la compañía Hors Champ // Fuera de Campo junto al artista Francisco Ruiz de Infante, con quienes desarrolló la tetralogía Carmen // Shakespeare. A lo largo de su carrera, ha sido premiada, entre otros logros, con la distinción de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras del Ministerio de Cultura francés. Su obra más reciente incluye Una Mesa Propia (danza de manos) y proyectos de gran envergadura como Shooting the waves.
Elena Arroyo. Así están mis cosas estos días
Fecha: viernes 7 de marzo 13:00h
Lugar: Espacio Tectónica. Stand D3
La acción propuesta se basa en una adaptación performativa de la videocarta entre los artistas japoneses Shuntaro Tanikawa y Shuji Terayama, en la que se reflexiona sobre la identidad, el cuerpo, la palabra y la imagen. En la performance, el espacio delimitado en el suelo se convierte en un lugar de caída de objetos, donde se simula un proceso de desnudez simbólica, revelando interrogantes existenciales sobre quiénes somos y qué significa ser. La acción estará registrada y proyectada en tiempo real, mientras se cuestiona la relación entre lo físico y lo representado, invitando a la participación y reflexión del público. La obra se adapta e improvisa, incorporando elementos de la correspondencia entre los artistas y de la propia práctica del intérprete.
Sobre Elena Arroyo
Elena Arroyo es artista, performer y cineasta. Estudió comunicación, cine, fotografía y arte contemporáneo. Algunas cosas de las que estudió le interesaron, otras no. Durante un tiempo hizo algunas piezas, no muchas, a su manera: piezas cortas en el margen de lo narrativo, en el margen de lo experimental, en el margen de lo conceptual. Algunas de ellas tuvieron más alcance que otras. Ninguna tiene importancia. Durante ese tiempo colaboró en piezas cinematográficas independientes de amigos y amigas. Iba a sus casas a trabajar de forma que en lo sucesivo desvalijó sus bibliotecas. Vio y leyó lo que estaba filmado y escrito y lo que no estaba ni filmado ni escrito. También cuidó jardines, se enamoró, viajó, se enfermó, se curó, se desenamoró, se mudó, se despertó.
Deneb Martos. Ser Hongo
Fecha: viernes 7 de marzo 17:00h
Lugar: Espacio Tectónica. Stand D3
La artista Deneb Martos ofrecerá una reflexión profunda sobre sus procesos creativos mediante un recorrido óptico y háptico a través de diversas obras y materiales que conforman su universo artístico. Esta acción se centrará particularmente en su última creación, Ser Hongo, en la que Martos compartirá diferentes formaciones, procesos de producción y aspectos clave del filme. Además, explorará la génesis de la obra y el método de acompañamiento creativo que ha guiado su desarrollo, invitando a los participantes a una experiencia inmersiva en su práctica.
Sobre Deneb Martos
Deneb Martos Marcos (Madrid, 1975) es una artista visual y docente especializada en fotografía sin cámara y cine experimental. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, ha trabajado con referentes como Javier Vallhonrat y Francisco López, y ha explorado la intersección entre arte, filosofía y ciencia. Su obra, que investiga el fenómeno físico de la imagen mediante procesos analógicos, ha sido expuesta en festivales internacionales y espacios como Akademie der Künste (Berlín), Matadero Madrid y FILMADRID. Además, ha sido coordinadora y educadora en La Casa Encendida durante más de 20 años y ha colaborado con instituciones como PhotoESPAÑA y la Fundación Cerezales. Su trabajo ha sido reconocido en conferencias y encuentros internacionales en Europa y América Latina.
Amaya Hernández. Sobre la Pagoda de Fisac y el Mercado de Olavide
Fecha: sábado 8 de marzo 13:00h
Lugar: Espacio Tectónica. Stand D3
La artista compartirá su proceso de trabajo con el público, invitándolos a explorar los edificios de la Pagoda de Fisac y el Mercado de Olavide de manera inmersiva. Los asistentes tendrán la oportunidad de navegar por los modelos 3D de estos edificios utilizando el programa Cinema 4D, que permite una navegación sencilla y detallada. Algunos podrán interactuar directamente con los modelos desde sus ordenadores, mientras que otros podrán observar los detalles de los edificios en una pantalla.
Sobre Amaya Hernández
Amaya Hernández es artista visual y docente. Nace y reside actualmente en Madrid. Es doctora en Bellas Artes, licenciada en Dirección de Fotografía de Cine y Máster en Fotografía. Durante su trayectoria recibe premios y ayudas a la creación de reconocido prestigio como: Generaciones de Caja Madrid, el Premio de Arte Digital Bancaja, el Premio INJUVE, Circuitos de las Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid y las ayudas a la Creación en las Artes Visuales de la Comunidad y del Ayuntamiento de Madrid entre otros.
Su obra se ha podido ver en instituciones y museos como: La Casa Encendida, El Círculo de Bellas Artes, el Centro Cultural Conde Duque, el IVAM (en Valencia) y el MAC (en A Coruña). Ha participado en festivales internacionales como el Festival Internacional del Libro de Guadalajara en México (FIL) y el International Video Art Festival «Now&After» en Moscow. Su trabajo se encuentra en la Colección de arte del Centro de Arte Dos de Mayo, CA2M, en la Fundación Bancaja y en la Fundación Montemadrid entre otras.
Guillermo G. Peydró & Jeanne de Petriconi. Maternidad geométrica
Fecha: sábado 8 de marzo 17:00h
Lugar: Espacio Tectónica. Stand D3
La videoescultura "Maternidad geométrica", obra coautoral de Guillermo G. Peydró y Jeanne de Petriconi, estará ubicada en una esquina del espacio, con cascos disponibles para que el público pueda escucharla de forma individual. De manera simultánea, Guillermo G. Peydró realizará un recorrido comentado sobre fragmentos de sus obras, que se proyectarán en la pantalla principal. Dado que la autoría de la videoescultura es compartida, resulta apropiado que el evento se desarrolle en dúo. Mientras los asistentes interactúan con la videoescultura, Guillermo G. Peydró presentará en la pantalla principal ejemplos de su investigación sobre la filmación de las artes, con un enfoque particular en las obras de Jeanne, como Architectomie#1 y En contre-plongée, la mer. Jeanne de Petriconi, por su parte, podrá comentar sobre las esculturas filmadas y compartir su propio proceso creativo.
Sobre Guillermo G. Peydró & Jeanne de Petriconi
Guillermo G. Peydró
Cineasta, programador y docente, doctorado en Historia del Arte. Sus ensayos audiovisuales sobre escultura (El Jardín Imaginario, 2012), pintura (Las Variaciones Guernica, 2012), arquitectura (La Ciudad del Trabajo, 2015) o literatura (El Retablo de las Maravillas, 2021) han sido proyectados en lugares como el Museo del Louvre, Museo Reina Sofía, Bard College, Instituto Cervantes o CSIC, y analizados en publicaciones científicas de media docena de países; desde 2016 realiza además proyectos expositivos de cine expandido con la escultora francesa Jeanne de Petriconi. Como programador, ha trabajado en los festivales Punto de Vista y Documenta Madrid, y ha realizado programaciones independientes para Filmoteca Española, Museo Reina Sofía, Círculo de Bellas Artes o Filmoteca de Catalunya. Como docente, ha impartido cursos en universidades y escuelas de cine de España, México, Cuba, Uruguay y Ecuador, y actualmente es profesor a tiempo completo en la Universidad Complutense de Madrid. Su libro «El cine sobre arte. De la dramatización de la pintura al cine-ensayo» (Shangrila, 2019) es el resultado de una década de investigaciones en archivos internacionales sobre las posibilidades creativas de la filmación de las artes.
Jeanne de Petriconi
Jeanne de Petriconi es una escultora francesa que vive y trabaja entre Madrid y Bastia (Córcega). Se graduó en escultura/instalación en la ENSAD de París en 2009 y ha sido reconocida con varios premios, como la Mención Best Young Artist del Premio Internacional Arte Laguna en 2010 y el Premio Georges Wildenstein de la Academia de Bellas Artes de París en 2013. Ha realizado residencias artísticas en diversos países y ha participado en importantes exposiciones, como la Bienal Internacional de Moscú (2010 y 2012) y en instituciones como el Museo de la Mémoire Vivante en Canadá. Ha presentado obras en lugares destacados, como el Palacio de Cibeles en Madrid y el Museo de Bastia. En 2020, inauguró su primer encargo público en Bastia, y en 2023 realizó un mural con un mensaje de homenaje a una víctima de violencia vicaria, además de ser incluida en el diccionario Histoire de la Sculpture en Corse aux XIXème et XXème siècles.
Sergio Muro. Obra Maestra
Fecha: domingo 9 de marzo 13:00h
Lugar: Espacio Tectónica. Stand D3
La ciudad, con su ritmo acelerado, nos absorbe, y la rutina diaria tiende a despersonalizarnos. Humanizar el espacio en el que vivimos y fortalecer nuestras relaciones personales deberían ser objetivos fundamentales en nuestra vida. Sería desolador pensar que transitamos por la existencia sin dejar una marca significativa. Otorgar propósito a nuestra vida implica trascender a través de nuestras acciones, mejorando nuestro entorno, ya sea urbano, medioambiental o personal. ¿Por qué no concebirnos como una obra maestra en constante proceso y evolución?
Sobre Sergio Muro
Sergio Muro (Zaragoza, 1974) es un artista multidisciplinar con formación en Historia del Arte, Gestión de Patrimonio Cultural y Artes Gráficas. A lo largo de su carrera ha realizado más de 150 performances internacionales en ciudades como Londres, Nueva York, Venecia y Tokio, y ha comisariado más de 100 exposiciones. Ha participado en exposiciones individuales en instituciones destacadas como el Museo Pablo Serrano, el Museo IAACC y la Fundación CAI, además de haber sido seleccionado para eventos internacionales como ARCO y la Feria Internacional de Cine de Huesca. Su trabajo ha sido reconocido con varios premios, como el Premio Ahora de las Artes Visuales y el Concurso de Video-performance de Pollock Gallery. Ha recibido becas de residencias artísticas y subvenciones internacionales y ha dirigido espectáculos performativos y festivales. Muro también ha publicado varios libros, incluyendo "La vida es una performance" y "100 Consejos para ser artista". Además, ha sido responsable cultural de iniciativas como Burgos 2031 y ha participado en la creación de murales y proyectos de arte urbano. Su obra está presente en colecciones de renombre y ha trabajado en la promoción y difusión del arte contemporáneo a través de su labor educativa y de gestión cultural.
Javier Olivera. De los ojos a los ojos
Fecha: domingo 9 de marzo 17:00h
Lugar: Espacio Tectónica. Stand D3
El rostro se presenta como un mapa de la identidad, una combinación única de piel, huesos, músculos y agujeros que busca destacar su particularidad ante la multitud, un mar de otredades. Dos miradas se cruzan en la multitud, creando un diálogo en el que mirar al otro se convierte en una manera de cuestionarnos a nosotros mismos, en un juego de espejos que nos define. Para el artista, el rostro ha sido y sigue siendo un objeto de estudio, abordado a través de diversos medios y formatos como el dibujo, la fotografía, la video-instalación y el cine, explorando su transformación, manipulación y alteración. A través del retorcimiento de la imagen-rostro, el artista busca claves para definir el valor ontológico e identitario del mismo, mientras rescata su semblante como un espacio poético, tanto individual como universal. En este encuentro, el artista realizará un recorrido por su obra, citando autores y referencias que han influido en su proceso, para culminar con una participación del público, convirtiéndolos en parte activa de la obra.
Sobre Javier Olivera
Javier Olivera (Argentina, 1969) es artista visual y cineasta. Desde 1990 desarrolla un cuerpo de obra que cubre pinturas, fotos, videos monocanal, video instalaciones, cine y libros de artista. Su obra lidia con la relación entre memoria y cultura como constructores de la identidad. Aplica oficio y conocimiento tecnológico -obtenido en el campo industrial del cine y la TV- a una metodología de producción independiente para preservar un discurso autoral y garantizar una búsqueda formal. En cine escribió y dirigió la ficción El visitante (1999) y los documentales Mika, mi guerra de España (2013); La sombra (2015); La extraña. Notas sobre el (auto) exilio (2018); Una habitación en Bangkok (2025) y La piel (2025). Sus películas, mayoritariamente ensayos audiovisuales, fueron exhibidas en festivales y muestras internacionales (MOMA, NY; Viennale, Austria; BAFICI, Bs As; Márgenes, España, entre otros). Su obra plástica y audiovisual ha sido exhibida en muestras individuales y colectivas en Argentina (MALBA, Museo de Arte Moderno, Centro Cultural Recoleta, entre otros) y el exterior (Museu Nacional d'Art Contemporânea do Chiado, Lisboa 2024; Doc Fortnight, MOMA, Nueva York, 2019; Museu da Imagem e o Som, São Paulo, 2016;, Museum Ludwig, Köln, 2016; Gallerie Zola, París, 2017; Tabakalera, San Sebastián, 2015, entre otros). Tiene una amplia experiencia en el campo de la docencia en universidades de cine y artes audiovisuales de Argentina, Uruguay, Colombia, Cuba y España.
El Ciclo de Intervenciones: 20 Grados se presenta como una plataforma de reflexión profunda sobre el poder transformador del arte en los espacios urbanos. A través de este proyecto, se invita a los espectadores a reconsiderar la relación entre el arte, el espacio público y la comunidad, buscando generar un diálogo constante que impulse nuevas formas de entender y habitar la ciudad.
Con la colaboración
