Evans Mbugua. Cortesía del artista.

ARTE & PALABRA. CONVERSACIONES CON CARLOS DEL AMOR

Hay una obra de Evans Mbugua (Kenia, 1979) titulada “Vive la vida como una celebración” que podría servir para definir el trabajo de esta artista nacido en África que antes de cumplir los veinte años, se mudó a Francia integrando lo que fue, lo que vivió, lo que es y lo que vive en su arte. En esa obra en la que se apela a la celebración de la vida vemos a un chico jugando o bailando -da igual si es una cosa u otra porque jugar y bailar es celebrar- y feliz y eso se intuye en el resto de obras, se reivindica la felicidad a través de pequeñas e intrascendentes grandes cosas. Una charla, una pelota, un lugar.

La obra de Evans se compone de pedacitos de lo que ha ido viviendo y recolectando, echando a una imaginaria maleta de donde en un momento concreto extraer la vivencia concreta de una experiencia vivida para trasladarla al lienzo. Somos lo que somos porque venimos de dónde venimos y somos lo que somos porque en el camino nos vamos transformando de una manera imperceptible pero constante. Por eso, y siguiendo con el juego de palabras, para definir lo que seremos hay que tener muy presente lo que fuimos y al mismo tiempo no tener miedo a irnos construyendo un poco cada día con la realidad que nos rodea y moldea. Raíz, orígenes, felicidad, cotidianidad.Ingredientes imprescindibles en la aventura vital que emprendemos cada mañana.

We are all Spinning around the Same Sun 1. Óleo y acrílico sobre metacrilato. 2022.

Si tuvieses que definir tu arte con una frase, ¿cuál sería?

Mi trabajo es una contemplación sobre la humanidad desde la perspectiva de un keniano viviendo en Francia.

Todo artista es lo que es por venir de dónde viene, por sus orígenes y raíces. ¿Se podría entender tu arte sin tus raíces?

Efectivamente, mi trabajo se podría entender sin conocer necesariamente mis raíces, puesto que nuestras vidas están hechas de experiencias. Cuando trabajo recupero recuerdos importantes para mí y los traduzco en mis obras de arte, por tanto mis raíces me dan cierta perspectiva. Sin embargo, estoy interesado en temas, ideas y conceptos que son comunes alrededor del mundo. Cualquiera puede identificarse con un juego de niños, una pareja bailando o un amigo haciéndose un selfie. br>

Cómo es el choque Kenia VS Francia, y de qué manera conviven en tu obra?

Hay muchas diferencias entre Kenia y Francia y la más obvia es la lengua, soy un anglófono viviendo en un país francés. Así pues, lo que me interesa es la influencia que estas diferencias tienen en la persona que yo soy y en la que me estoy convirtiendo. Creo que con el paso del tiempo nuestro ADN, el ADN humano, se impregna de culturas, tradiciones e historias que van pasando de generación en generación, por lo que nunca somos algo aislado. En consecuencia, me interesa la identidad híbrida contemporánea, especialmente en la actualidad, acelerada por internet, las redes sociales, etc.

We are all Spinning around the Same Sun 3. Óleo y acrílico sobre metacrilato. 2022.

Es curioso cómo la cotidianidad, los actos que forman parte de la rutina como un chico jugando al fútbol o una conversación puede ser un gesto tan apasionante como cualquiera y sea elevado a la categoría de arte. ¿Qué importancia le das a las pequeñas cosas?

Me interesan las experiencias mundanas del día a día, ya que esos recuerdos luego son los que constituyen quiénes somos. El arte juega un papel importante informándonos de los sentimientos humanos, por lo que creo que también puede ser un vehículo para ayudarnos a sanar y a aprender a amar. El arte puede servir de herramienta para restaurar y afirmar nuestra humanidad, y creo que eso es algo que me gustaría conseguir, usar mi arte para participar en nuestra vida, en lo que nos estamos convirtiendo. Espero que, por lo menos, el arte sea útil para sanar.

¿Es la felicidad un ingrediente importante para la creación?

Sí, creo que siempre quiero sentirme feliz con lo que estoy creando. En cualquier caso, todos queremos ser felices y tenemos derecho a encontrar la felicidad. El Dalai Lama dice algo así, y estoy totalmente de acuerdo.

We are all Spinning around the Same Sun 2. Óleo y acrílico sobre metacrilato.2022.

¿Cuánto tiene de “arqueología emocional” tu trabajo?

Es un término nuevo para mí, aunque probablemente la mayor parte de mi trabajo se adhiere a esta idea de arqueología emocional, ya que las emociones son la raíz de mi obra.

Hay que vivir para crear, ¿debe ser el arte un arte vivido?

Para mí, cualquier forma de arte es una expresión de vida. Por lo tanto, para que el arte exista, tiene que ser experimentado por seres vivos. Uno existe gracias al otro. El arte no puede existir sin ser experimentado.

We are all Spinning around the Same Sun 4. Óleo y acrílico sobre metacrilato. 2022.

¿Hacia dónde crees que va tu arte?

Mi arte ha evolucionado mucho recientemente. Las obras que presentaré en Art Madrid 2024 son parte de la conclusión de una serie en torno a la infancia que comencé alrededor de 2017 llamada Back to the Future.

A partir de ahí, voy a continuar una serie que he empezado recientemente, de una manera paulatina, donde exploro sobre la adolescencia o juventud adulta. A través de un personaje ubicado en el continente africano, probablemente en Kenia y que me gustaría posicionar en un periodo entre los años sesenta y setenta, para ayudarme también a indagar sobre mi propia historia familiar. Es un proyecto que me tiene muy ilusionado en esta etapa de mi creación.

Por otra parte, quiero pasar de superficies planas, como el papel o el metacrilato que he estado utilizando, a otros soportes más escultóricos. He comenzado a experimentar con la escultura blanda y textil, así como también con cerámica y bronce.

Creo que será un futuro muy emocionante en el que estaré embarcado en nuevos proyectos, cuyas formas de representación ocupan un espacio distinto a lo que he hecho anteriormente, por lo que estoy muy entusiasmado.

Gracias. Gracias, Carlos.

En Art Madrid estamos encantados de presentar, por cuarto año consecutivo, nuestro programa de entrevistas comisariadas y gracias a la colaboración de Safe Creative. Esta vez, tenemos el honor de contar con Marisol Salanova, crítica de arte y comisaria, quien liderará esta serie bajo el título: "Conversaciones con Marisol Salanova". Durante estas charlas, nos adentraremos en el fascinante mundo creativo de ocho artistas destacados que forman parte de la 20ª edición de la feria. Será una oportunidad única para descubrir sus procesos, inspiraciones y perspectivas. Con este programa, reafirmamos nuestra pasión por acercar el arte contemporáneo a todas las personas, dándole voz a los artistas que nos acompañan durante la Semana de arte.

ARTISTAS INVITADOS

Alexander Grahovsky. Galería BAT; Lil Blanc. Galería Rodrigo Juarranz; Diego Vallejo García. Shiras Galería; Antonio Ovejero. CLC ARTE; Gastón Lisak. Inéditad Gallery; Paula Blanco. Galería Arancha Osoro; Aurelio San Pedro. Pigment Gallery; Tiffany Alfonseca. OOA Gallery.

La esencia que conecta a los artistas seleccionados para el Programa de Entrevistas de Art Madrid’25 es su espíritu de exploración constante. Esta búsqueda creativa trasciende los límites de los materiales y formatos, manifestándose también en la forma única en que entienden el proceso artístico. Cada uno de ellos se encuentra en un punto crucial de evolución, evidenciando que el arte es, por naturaleza, un viaje dinámico y en constante transformación. Con estilos definidos y una impronta personal inconfundible, estos creadores desafían las convenciones y se niegan a quedarse en la zona de confort, impulsados por una pasión inagotable por innovar y redefinir los límites del arte contemporáneo. Este carácter atrevido convierte su obra en una experiencia que interpela directamente al espectador, expandiendo las posibilidades artísticas y cuestionando las expectativas del público.

En el ámbito de la nueva figuración, resulta especialmente revelador cómo algunos artistas eligen apartarse de métodos tradicionales, como el uso de bocetos previos. En lugar de ello, abordan la pintura desde la espontaneidad, permitiendo que el trazo inicial sea parte esencial del desarrollo de la obra. Esta aproximación revela una actitud valiente que celebra el accidente y la intuición como herramientas fundamentales en el proceso creativo. En contraposición, quienes trabajan en el terreno de la abstracción demuestran una voluntad igualmente audaz, rechazando técnicas que garanticen un acabado previsible. No hay miedo al error, sino una aceptación profunda de lo incierto vista como un reflejo de la vida misma. Incluso las piezas más técnicas y elaboradas esconden procesos de creación en los que el gesto libre y la experimentación desempeñan un papel primordial.

Este espíritu innovador encuentra en Art Madrid’25 un marco perfecto para dialogar con el público general, la crítica y los coleccionistas. Con el objetivo de profundizar en las inquietudes y aspiraciones de estos creadores, hemos preparado una selección de entrevistas que permiten adentrarnos en sus universos personales. Desde una perspectiva crítica, pero siempre accesible, estas conversaciones brindan herramientas para interpretar las obras y comprender las intenciones detrás de cada propuesta artística.

Escuchar las voces de los artistas no únicamente contribuye a democratizar el acceso al arte, sino que aporta un valor añadido; una dimensión adicional a nuestra manera de interactuar con él. Cada entrevista nos invita a reflexionar sobre las motivaciones que impulsan a estos creadores, sus referentes, y las expectativas que depositan en su trabajo. Sus palabras permiten tender puentes entre la obra y el espectador, haciendo que lo que podría parecer inalcanzable se torne cercano y profundamente humano.

En este sentido, las entrevistas que presentamos aquí no son simples descripciones, sino una oportunidad para entender el contexto y las ideas que dan forma a cada proyecto. A través de ellas, el lector podrá descubrir tanto el talento técnico como también la complejidad emocional y conceptual que define, a grandes rasgos, Art Madrid’25. Este recorrido, cuidadosamente diseñado para complementar la experiencia de la feria, es una llamada a sumergirse en la mirada de aquellos profesionales creativos que transforman lo intangible en obra y lo personal en universal.

Marisol Salanova. Crítica de arte y comisaria del Programa de entrevistas de Art Madrid'25.

Artistas invitados. Conversaciones con Marisol Salanova.

SOBRE LOS ARTISTAS

Lil Blanc (Madrid, 1993) inició su trayectoria profesional explorando texturas, para evolucionar hacia el estudio de los degradados y la transición entre colores. Esta búsqueda culminó en una abstracción que transmite sentimientos intensos. Las gradaciones suaves en sus lienzos evocan cielos al atardecer, un intento de capturar la fugacidad de esos instantes inspirado en su experiencia personal de contemplación creativa. Su enfoque perfeccionista y su filosofía de "menos es más" reflejan su formación como arquitecta. Sin artificios, Blanc crea obras con historias sutiles y capas profundas de significado. Alexander Grahovsky (Alicante, 1980) emplea un enfoque caótico y espontáneo, coleccionando imágenes que transforma en collages narrativos. Su pintura destaca por su fuerte componente surrealista, con historias no lineales que despliegan escenas superpuestas en diferentes fases, permitiendo que la mirada vague por la composición. Influencias de la pintura clásica y el cine enriquecen sus obras, cuya interpretación depende del bagaje y estado de ánimo del espectador. Diego Vallejo García (Ávila, 1991) combina una estética clásica con temáticas contemporáneas. Su formación en Historia del Arte y Restauración le permite integrar un enfoque teórico y práctico en sus proyectos. A través del óleo y técnicas de veladura, crea retratos generacionales que representan la personalidad colectiva de su época, cuidando meticulosamente la conservación y durabilidad de cada pieza. Antonio Ovejero (Valencia, 1999) investiga la memoria y las escenas del imaginario colectivo, explorando la belleza en la cotidianidad sublime. Su fascinación por las figuras con joyas, vestidos de estampados geométricos y peinados extravagantes conecta distintas épocas. A través de una estética kitsch, mezcla lo costumbrista con lo ostentoso, creando imágenes que unen vejez, elegancia y cotidianeidad. Ovejero define su estilo como neo pop costumbrista. Gastón Lisak (Barcelona, 1989) transita hacia el arte conceptual desde su experiencia como docente y facilitador de talleres. Su obra se basa en la "arqueología mundana", explorando la transformación de objetos anacrónicos. Influenciado por el diseño industrial, cuestiona la hiperproducción y encuentra belleza en lo desechado, deteniendo la mirada en aquello que suele pasar inadvertido. Paula Blanco (Oviedo, 1996) fusiona arte y ciencia para explorar la relación entre la naturaleza, el territorio y el medioambiente. Su inspiración surge del paisaje, empleando arcilla, pigmentos, barnices y fibra de vidrio para crear estructuras que evocan organismos naturales. Su enfoque abstracto y etéreo sublima la materia, separando la idea del objeto y expresándose a través de los orígenes de las materias primas. Tiffany Alfonseca (República Dominicana, 1994) explora su identidad afrolatina-estadounidense, representando escenas cotidianas de personas empoderadas y cuerpos no normativos. Mezcla pintura, dibujo, serigrafía y bordado, inspirada por los vibrantes colores de su infancia en la República Dominicana. Su obra combina tonos vivos y texturas ricas para plasmar narrativas personales y colectivas que resuenan universalmente. Aurelio San Pedro (Barcelona, 1983) destaca por su delicado dibujo en blanco y negro, centrado en escenarios naturales. La memoria es el eje de su proceso creativo, utilizando el recuerdo como herramienta de expresión plástica. El papel adquiere un papel fundamental, con un equilibrio entre las zonas intervenidas y los espacios en blanco. Su estilo fluctúa entre abstracción y figuración, manteniendo una identidad artística inconfundible.

MARISOL SALANOVA.

SOBRE MARISOL SALANOVA

Crítica de arte, comisaria y gestora cultural, Marisol Salanova (Valencia, 1982) es una comunicadora nata. Licenciada en Filosofía por la Universidad de Valencia, se especializó en Arte y Tecnología a través del máster en Producción Artística. Autora de Plataforma Editorial y Akal, entre otras, ha publicado varios ensayos, numerosos catálogos y libros de artista. Dirigió la editorial Micromegas, enfocada en textos sobre arte contemporáneo, durante casi una década. Trabajo que compaginó con la docencia. Regularmente escribe para ABC Cultural y participa en el programa Hoy por Hoy de Cadena Ser. También asesora a coleccionistas y ha desarrollado un comisariado pionero de criptoarte desde la plataforma Arteinformado. Comisaría a artistas de talla internacional en exposiciones individuales y colectivas, además de haber comisariado secciones editoriales de ferias de arte como la extinta SUMMA Madrid y MARTE Castellón. Investiga en profundidad cada proyecto, actualmente inmersa en su tesis doctoral sobre la obra del escultor Apel·les Fenosa.
Se caracteriza por ser una de las voces críticas más visibles en el panorama del arte español, con un perfil muy mediático y habilidades divulgativas que despliega en redes sociales. La escucha y el diálogo para comprender y amplificar el trabajo de los artistas son sus mejores herramientas.

SOBRE SAFE CREATIVE

Este programa de entrevistas de Art Madrid’25 cuenta con la colaboración de SAFE CREATIVE plataforma aliada con los artistas en Internet para proteger sus derechos. Hoy, con los nuevos avances tecnológicos, los desafíos se multiplican y damos respuesta a creadores y artistas de todo tipo. Safe Creative ofrece un sistema en línea, cómodo y económico que permite a cualquier creador obtener las pruebas necesarias que le ayuden a documentar su proceso creativo y demostrar sus derechos de autor. Todo desde su casa, usando su ordenador y pudiendo registrar todas sus obras, y proceso creativo, de forma instantánea.

Con la colaboración de