Art Madrid'25 – MANU IRANZO: HACIA LA TRASCENDENCIA DEL DIBUJO

Manu Iranzo. Cortesía del artista.



ARTE & PALABRA. CONVERSACIONES CON CARLOS DEL AMOR


Hay una sensación extraña cuando se está delante de una obra de Manu Iranzo (Teruel, 1983), uno no sabe si lo que tiene delante es real o es una especie de capa intermedia entre lo que creemos ver y lo que realmente vemos. Como si sus minuciosos dibujos realizados con lápiz grafito hubiesen salido de lo soñado la pasada noche. Su obra, tengo la sensación, de que se mueve en ese plano inconcreto que bordea la frontera existente entre lo que creemos haber visto y lo visto realmente.

Hagan la prueba, miren un mar, una flor o una nube, luego cierren los ojos fuerte, ese mar, flor y nube permanecen pero de otra manera, ya son un recuerdo muy próximo pero imposible de que vuelva, nada será igual cuando abramos los párpados. Eso que vemos cuando, paradójicamente, tenemos los ojos cerrados se parece mucho a los dibujos de Iranzo. Es el instante detenido y recordado de algo que ya no existirá nunca tal como lo vimos. Se aprecia sus orígenes en el diseño, aunque intuyo que esto pasa como en la célebre adivinanza, no sabremos qué fue antes, si el dibujo o el diseño. Digo que la influencia de esa otra faceta es evidente porque un diseñador debe ser concreto y observador, y esa capacidad de observación muchas veces se realiza alejado del terreno sobre el que se trabajará después y eso debe ser algo parecido a cerrar los ojos y atrapar el instante, paso previo a afilar el lápiz.


ST. De la serie Botánica. Lápiz grafito sobre papel. 2023.


Si tuvieras que definir tu arte en una frase, cuál sería.

La afirmación del equilibrio, el orden y el detalle.


Si uno investiga en tus perfiles en redes sociales lee: “dibujo y diseño”, ¿es este el orden correcto?

No hay un orden establecido, lo veo más bien como un conjunto indivisible, inseparable. Es la misma mirada la que dibuja que la que diseña ya que ambas son disciplinas creativas totalmente complementarias. Puede cambiar el entorno/ecosistema de trabajo, bien sea digital o analógico, pero la percepción es la misma.

Soy consciente de que en el diseño hay unos problemas que hay que resolver con una finalidad/función para un cliente concreto y unas necesidades específicas. A su vez, el dibujo goza de mayor autonomía, además de formar una expresión emocional y personal también requiere de un espectador final con el que se establece una conversación. Considero que ambos campos beben el uno del otro, compartiendo recursos en ambas direcciones.

Se dice que el arte plantea preguntas y el diseño ofrece respuestas. El dibujo está sometido a la subjetividad y puede evocar diversas interpretaciones, mientras que el diseño debe comunicar su mensaje de manera más directa y concreta.


Quiero decir, ¿de qué manera tu faceta de diseñador influye en el dibujo?

Desde la propia manera de afrontar el proyecto. Cuando planteo la obra intento formularme preguntas como si se tratase del _briefing _de un cliente; ver qué necesidades tengo que cubrir. Intento responderme a estas cuestiones desde el apartado conceptual al técnico, el posible recorrido de la serie, la complejidad técnica o la duración estimada en la ejecución.

Esta mirada de diseñador considero también que influye directamente en la forma de componer los elementos en la obra. Hay similitudes cuando maqueto un cartel o un libro, cómo interactúan las composiciones tipográficas con las imágenes, cómo “mancha” en definitiva.

Llevado al plano técnico, todos los bocetos previos a las obras definitivas son realizados en el entorno digital. Es en el ordenador donde comienzo con la fase de abocetado, establezco formatos y dimensiones, de tal forma que cuando paso al dibujo ya tengo totalmente claro cómo va a quedar. En el ordenador se aprecia muy bien cómo queda la obra en conjunto, si va a funcionar. No suelo dar pie a improvisaciones de última hora, sí en algunos detalles de valoración tonal o acabado en ciertas partes de la obra. Trato de ser conciso. Creo que esta disciplina en el proceso viene directamente del mundo del diseño. Me ayuda a concretar más, a desechar lo superfluo.

Otro aspecto que considero resaltar es cómo influye la tendencia en el diseño en la obra artística, como consecuencia inevitable del contexto que nos rodea.


Interrupted sea. Lápiz grafito sobre papel. 2023.

Dónde empieza la realidad y dónde la ficción en tus obras… Dónde lo tangible de lo onírico.

La realidad parte de la propia naturaleza, la imagen reconocible. La ficción surge al fusionar estos elementos naturales identificables con interpretaciones subjetivas. En mi obra _Mar Interrumpido _o en la serie _Botánica _se experimenta con la formación de la imagen, un efectivo tratamiento de desenfoque crea una atmósfera que lleva al espectador al terreno de la interpretación, a un apartado más psicológico.

Otro elemento que también considero que influye y juega un papel importante en esta concepción de realidad/ficción es la escala, las propias dimensiones de la obra. Introducir un mar en un diámetro de ocho centímetros o realizar unas nubes en un formato vertical de más de dos metros de altura. Hay un distinto grado de intimidad, de contemplación de la obra, una invita al acercamiento y otra necesita de un inevitable espacio.

Lo onírico también va unido a la propia técnica monocroma. La ausencia de color nos lleva al campo de la imaginación, a una sensación de irrealidad. Igualmente considero que mi manera de dibujar es pictórica en cuanto al tratamiento, en ocasiones se pierden los contornos, ayudando y potenciando ese carácter de irrealidad.


¿Qué te da el grafito de un lápiz para que lo fíes todo a él?

El lápiz grafito sobre papel es el medio en el que me siento más cómodo a la hora de expresarme y representar mi obra. La limpieza, la sencillez, la versatilidad, la rapidez en la preparación, el acabado, su leve brillo, el tono negro tiene una luz especial... la calidez, en definitiva. El proceso a base de capas, los diferentes tratamientos, la minuciosidad del detalle. Ver el dibujo y cada vez poder observar algún matiz nuevo. Llegar a conseguir una sensación de realidad tan sólo con el claroscuro.

En obras anteriores partía del carbón y el lápiz compuesto, pero con el paso del tiempo fui centrándome exclusivamente en el lápiz grafito. En mi dibujo únicamente hay grafito, manteniendo el propio blanco natural de un papel de grano fino no muy texturizado para las zonas claras o de máxima luminosidad, sin añadir blanco material. La técnica del grafito va unida a la sensación de atemporalidad, de perdurabilidad. Poder ejecutar una obra que sea relevante y que trascienda.


Un mar puede ser gris y parecer un mar, una planta puede ser gris y parecer una planta? ¿Depende todo de los ojos con los que miremos?

La ausencia de color implica que sea el espectador el que tenga que hacer un ejercicio de imaginación y terminar de completar la imagen. Interviene un proceso subjetivo y personal, una percepción individual. De todos modos estamos dentro del terreno de la representación figurativa y podemos aproximarnos a la propia realidad ya que estos elementos son reconocibles.

Continuando con el juego de la formulación de la pregunta, del mismo modo un mar puede ser gris y parecer un precipicio, como ocurre en la serie Prismas. Fragmentos de mar son manipulados a modo de collage en la que su unión forma un nuevo paisaje. El propio relieve de las olas unido a su fuerte contraste crean otro accidente geográfico distinto, lo que antes era líquido y ligero ahora cambia su aspecto a sólido y rocoso. Una nueva naturaleza surge a partir de unos elementos comunes.


Siempre se ha dicho que el origen de todo arte es el dibujo. ¿Dibujar es la esencia?

Por definición el dibujo es la expresión gráfica de una idea o emoción. Es el primer contacto del artista con la obra, la primera aproximación. Es considerado como paso previo de la pintura, escultura y arquitectura. El propio Giorgio Vasari identifica el dibujo como la forma más íntima y directa de trabajar a la que puede optar un artista. Esto viene a decir que el dibujo proviene del intelecto, es el nexo común entre el conocimiento y la praxis, contorno - línea - sombreado. El dibujo es la verdad, captar lo esencial de la representación. Tiene que ver más con el tacto que con la vista. En mi caso el dibujo no funciona como apunte o antesala previa al lienzo, el dibujo es la obra definitiva. Como he comentado antes, la fase preliminar de ideas y bocetos surge en el ordenador. Personalmente, en un contexto más simbólico, considero el propio proceso del dibujo como una liturgia tanto por su estructura como por la exploración introspectiva.


ST. De la serie Tres mares. Lápiz grafito sobre papel. 2023.

¿Piensas en colores?

Actualmente más que en el color pienso en la forma. Es la consecuencia directa de aplicar una técnica monocroma la que determina la necesidad de centrarme en otros aspectos. Al prescindir del color mi enfoque se dirige hacia la estructura, a la composición, a la búsqueda del equilibrio formal.

También considero que vuelve a intervenir un punto importante que es la preocupación por la perdurabilidad, la inquietud de cómo se va a percibir la obra en el futuro. Antes hablaba de la tendencia en el diseño (tipografías, efectos en la imagen, recursos gráficos, color...) y el riesgo en la aportación creativa, el miedo a la posibilidad de una moda muy puntual. Soy consciente de que la realización de una obra puede durar varios días o meses y la incertidumbre puede estar ahí.

Volviendo a la pregunta, no tengo inconveniente con el uso del color. Ha estado presente en obras anteriores, incluso lo he combinado con el propio lápiz grafito, pero mi obra ha ido desprendiéndose de este.


¿Hacia dónde va tu arte?

Considero que el futuro de mi creación artística pasa por seguir explorando caminos con el dibujo como técnica principal unida a la incorporación de soluciones tecnológicas que van surgiendo. Un ejemplo es la realidad aumentada, la cual he experimentado en algunas de mis obras más recientes. Aquí vuelvo a hacer hincapié entre la unión de lo digital y lo analógico, donde el elemento físico tangible se combina con elementos virtuales.

Del mismo modo, continuando con la relación entre diseño y dibujo, puedo expandir el abanico creativo al incorporar animaciones o textos que complementen y enriquezcan la obra, brindando una experiencia más completa al espectador y haciéndolo partícipe de manera más personal.

Un ejemplo de esto es mi obra Nubes en degradado, donde se implementó la realidad aumentada para añadir una animación al dibujo. Esta función se activaba al enfocar directamente el dibujo con un móvil, agregándole movimiento y llevando el trabajo a otra dimensión. Aquí quiero destacar la importancia del proceso creativo: la obra comienza en el entorno del ordenador, pasa al formato físico del papel y culmina en la pantalla del móvil. Podríamos decir que el dibujo ‘salta del papel a la pantalla’, ampliando su alcance y recorrido.





ART MADRID’25: VEINTE CUMPLEAÑOS

La lluvia no fue un impedimento para que la celebración de los veinte años de vida de Art Madrid sucediera por todo lo alto en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles. Del 5 al 9 de marzo la sede de la feria abrió las puertas a artistas, galerías, coleccionistas, amantes del arte y profesionales del sector para acogernos en una edición marcada por una mayor presencia de mujeres artistas, más del 50% de artistas debutantes, la presencia de 34 galerías y alrededor de 1100 obras realizadas entre 2022 y 2025.


Art Madrid'25. Foto de Lucas Amillano.


Art Madrid’25 abrió sus puertas presentando un Programa de Galerías integrado por 34 expositores, 22 nacionales, 12 internacionales y 7 estrenando su presencia en la feria. Más de 200 artistas mostraron obras de reciente creación, representando así las últimas tendencias artísticas del panorama nacional e internacional. La pintura con una relevante presencia en todas sus formas de expresión y líneas de representación; la escultura, la fotografía, el dibujo, el vídeo y la instalación.

Durante estos cinco días, Art Madrid’25 recibió en torno a 20.000 visitantes entre coleccionistas, profesionales del sector, público general y nuevos compradores.


Art Madrid'25. Foto de Lucas Amillano.


La celebración de esta edición estuvo acompañada de un Programa Paralelo centrado en el eje conceptual: Territorio Ciudad. En la antesala de la feria, del 28 de febrero al 2 de marzo se desarrollaron en la ciudad de Madrid los proyectos: Arquitecturas Imaginadas, Dialoga Ciudad y la segunda edición de La Quedada, un circuito de recorridos por estudios y espacios de creación artística. Arquitecturas Imaginadas convirtió el metro en una galería de arte efímera; Dialoga Ciudad llenó las calles de poesía, estableciendo un diálogo directo con los transeúntes, mientras que La Quedada abrió las puertas de los estudios de artistas, ofreciendo a los visitantes la oportunidad de conocer de cerca sus procesos creativos. También antecedió a la semana de la feria el Programa de entrevistas: Conversaciones con Marisol Salanova.


Art Madrid'25. Foto de Lucas Amillano.


Una vez inaugurada la feria, la programación continuó con propuestas innovadoras como Open Booth, un espacio en colaboración con la Universidad Nebrija y Liquitex, que invitó a los estudiantes del Grado de Bellas Artes de la universidad a presentar sus obras en un contexto profesional. Asimismo, el ciclo Raíces Afuera exploró conceptos de identidad y pertenencia mediante performances que propusieron diferentes puntos de vista y una reflexión extendida sobre el arraigo y la movilidad en la sociedad contemporánea.

El arte en movimiento también tuvo un papel destacado en esta edición gracias a Cartografías de la Percepción, un programa de videoarte comisariado por PROYECTOR que analizó la relación entre los habitantes y su entorno urbano mediante obras audiovisuales inmersivas. A esto se sumó 20 Grados, desarrollado en el Espacio Tectónica, donde diez artistas emplearon la realidad aumentada, el sonido y la performance para explorar la interacción entre la arquitectura y sus habitantes.


Art Madrid'25. Foto de Lucas Amillano.


Entre las propuestas más innovadoras de la edición destacó Ciudad Sutil, de Susi Vetter, que convirtió la calle Montalbán en una instalación digital interactiva. Esta iniciativa transformó el espacio público y planteó nuevas preguntas sobre la relación entre el ser humano y su entorno, invitando al espectador a reflexionar sobre su impacto en el paisaje urbano.

Alrededor de 30 artistas fueron invitados a formar parte del Programa Paralelo de Art Madrid'25. Una iniciativa que la organización de la feria pretende mantener en ediciones venidetras con la intención de incoporar al evento otras maneras de apoyar la creación y de fomentar el diálogo entre artistas, público y profesionales del sector, enriqueciendo así la experiencia cultural de la feria.


Art Madrid'25. Foto de Lucas Amillano.


MECENAZGO, PREMIOS Y RESIDENCIAS: EL IMPULSO A LA CREACIÓN CONTEMPORÁNEA

Uno de los pilares fundamentales de Art Madrid es su compromiso con el fomento del arte y el apoyo a los creadores. A través de su Programa de Mecenazgo, la feria ha consolidado su papel como plataforma de promoción del talento emergente y la consolidación de artistas en el mercado.

El Premio de Adquisición ha permitido la incorporación de obras seleccionadas a importantes colecciones privadas. Este año, las entidades Colección Studiolo, Colección E2IN2 y Devesa Law han apostado por la obra de Armando de la Garza (Premio de Adquisición. Colección Studiolo), representado por DDR Art Gallery; Fernando Suárez Reguera (Premio de Adquisición Colección E2IN2), representado por la Galería Luisa Pita y Moisés Yagües (Premio de Adquisición Devesa Law), representado por la Galería Aurora Vigil-Escalera; una iniciativa que asegura la difusión y preservación de las obras de los artistas premiados dentro del circuito del coleccionismo nacional.


Art Madrid'25. Foto de Lucas Amillano.


Por su parte, el Premio Artista Emergente, otorgado por One Shot Hotels en el marco del Programa One Shot Collectors, ha reconocido el talento de Ana Cardoso, representada por la Galería São Mamede. Este reconocimiento proporciona un impulso económico clave para la consolidación de artistas en etapas de desarrollo.

Finalmente, el Premio Residencia, organizado en colaboración con DOM Art Residence y ExtrArtis, ha sido concedido a Luis Olaso, representado por Kur Art Gallery. Gracias a esta distinción, el artista disfrutará de una residencia artística en Sorrento, Italia, en agosto de 2025, una oportunidad única para la experimentación, el intercambio cultural y la expansión de su práctica artística.


Art Madrid'25. Foto de Lucas Amillano.


COLECCIONISMO: EL ARTE DE ADQUIRIR CON CRITERIO

El fomento del coleccionismo ha sido otro de los grandes ejes de Art Madrid’25. Con el Programa de Coleccionismo One Shot Collectors, patrocinado por One Shot Hotels, la feria ha buscado fomentar la adquisición de obras de arte mediante un espacio de asesoramiento especializado. De la mano de la experta Ana Suárez Gisbert, los participantes recibieron orientación sobre cómo iniciarse en la compra de arte o ampliar sus colecciones con conocimiento y criterio. Este programa ha contribuido significativamente a fortalecer el mercado del arte contemporáneo y a reforzar la conexión entre creadores y coleccionistas.


Art Madrid'25. Foto de Lucas Amillano.


La veinte edición de Art Madrid deja cifras de venta que superan la edición de 2024; han sido adquiridas un total de 675 obras. De las cuales, 39 han sido a través del Programa de Coleccionismo de Art Madrid’25 liderado por la Art Advisor Ana Suárez Gisbert. El 10 % de las obras han superado los 20.000 euros de precio; el 15 % fueron piezas de entre 10.000 y 20.000 euros; el 30 % oscilaba entre los 3.000 y los 10.000 euros y, el 45%, fueron obras adquiridas por un importe menor a 3.000 euros. Esto refuerza el papel de Art Madrid como un evento clave para aquellos que desean adentrarse en el mundo del coleccionismo. En esta última edición, la feria ha contado con una mayor afluencia de visitantes internacionales, así como de diversas regiones de España, lo que confirma el creciente interés de los coleccionistas extranjeros por incorporar a sus colecciones obras de artistas españoles. Una vez más, las galerías participantes en Art Madrid han destacado el aumento de asistentes y el interés de los compradores, tanto de coleccionistas experimentados como de nuevos entusiastas que buscan iniciarse en el arte.


Art Madrid'25. Foto de Lucas Amillano.


UN EVENTO POSIBLE GRACIAS A SU RED DE COLABORADORES

El éxito de Art Madrid’25 ha sido posible gracias al respaldo de sus patrocinadores oficiales: Liquitex, Lexus, One Shot Hotels, Safe Creative, Universidad Nebrija y Cervezas Alhambra. Su apoyo ha sido fundamental para la celebración de los veinte años de arte contemporáneo de Art Madrid.

Además, la feria ha contado con la colaboración de plataformas e instituciones culturales como PROYECTOR, CRU Cultural Platform, la Asociación de Coleccionistas de Arte Contemporáneo 9915, Colección Studiolo, E2IN2, DOM Art Residence, Devesa, Enviarte, Vanille Bakery Lab & Café y Pago de Cirsus.

También ha recibido el respaldo de entidades gubernamentales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Ayuntamiento de Madrid, el Ministerio de Cultura y Deporte y la Comunidad de Madrid, reforzando así su presencia en el panorama cultural.

En el ámbito de la difusión, los media partners: PAC, Gráffica, Cultura Inquieta, ArtPrice, Arte al Límite, Arte por Excelencias, VEIN, Art Facts y Bonart Cultural han contribuido a proyectar el evento a nivel global.


Art Madrid'25. Foto de Lucas Amillano,


ART MADRID: UN FUTURO LLENO DE POSIBILIDADES

Después de dos décadas de trayectoria, Art Madrid se reafirma como un evento dinámico, accesible y en constante evolución. Con más de 100.000 visitantes en sus últimas cinco ediciones, la feria se ha consolidado como un referente imprescindible dentro del circuito artístico nacional e internacional.

La Galería de Cristal del Palacio de Cibeles ha vuelto a ser el escenario ideal para esta celebración del arte contemporáneo, ofreciendo un espacio de encuentro para galerías, coleccionistas y creadores de todo el mundo. Con una programación innovadora y un enfoque cada vez más abierto, Art Madrid’25 ha demostrado que, tras veinte años, su papel dentro del ecosistema artístico sigue siendo más relevante que nunca, y su futuro está lleno de posibilidades y nuevas exploraciones artísticas.


Art Madrid'25. Foto de Lucas Amillano.


Gracias por acompañarnos en esta 20ª edición de Art Madrid. Vuestra confianza y apoyo son esenciales para seguir impulsando el arte y la cultura contemporánea.


¡Nos vemos en Art Madrid'26!